Art Inside

🏰Le château de Poudlard est une vraie mine d’œuvres d’art, dont la plupart ont été inventées pour les besoins des films. Mais certaines sont des références à des œuvres qui existent bel et bien : l’une des plus célèbres est la TAPISSERIE DE LA DAME À LA LICORNE 🦄 qui orne les murs de la salle commune de Gryffondor. Ne vous y trompez pas ; bien que présente au château de Poudlard cette tapisserie est bien française ! Il s’agit de l’une des six pièces de la tenture de la Dame à la licorne désormais visible au Musée Cluny à Paris. Ces six tapisseries ont été tissées entre 1484 et 1538 à partir de modèles de femmes et d’animaux dessinés par le peintre et enlumineur Jean d’Ypres👨‍🎨 Cinq des six tapisseries seraient une allégorie des cinq sens. La sixième tapisserie, qui est celle que l’on retrouve dans la salle commune de Gryffondor, est plus énigmatique : on remarque la présence d’une tente portant l’inscription « Mon seul désir » sous laquelle se tient la dame alors qu’elle sort des bijoux d’un coffre. Cette pièce fait-elle référence à un sixième sens proche du cœur ? Symbolise-t-elle l’amour courtois ? ❤️ Autant de mystères qui entourent encore aujourd’hui la tenture de la Dame à la Licorne, pourtant l’une des œuvres les plus célèbres du Moyen-Age. Tellement fameuse qu’on l’appelle La Joconde du Moyen-Age ! 🎬 Film : Harry Potter à l’école des sorciers, Chris Columbus, 2001 🎨 Œuvre : La Dame à la licorne, Mon seul désir, 1484-1538, tapisserie, musée de Cluny, Paris © musée de Cluny, Paris

Femme Nue de Renoir/Les Amoureux et Pierrot de Picasso/Saint-Jean-Cap Ferrat de Chagall

Dans ce film, Godard travaille sur la dualité visuelle entre les couleurs 💙bleu et ❤️rouge, présentes dans quasi tous les plans. 👩‍❤️‍👨Dans une scène de discussion passionnelle entre Ferdinand et Marianne, joués par Jean-Paul Belmondo et Anna Karina, le mur de la chambre est recouvert de cartes postales reprenant deux œuvres de Picasso - Les Amoureux - ainsi qu’une toile de Chagall : Saint Jean Cap Ferrat. Toutes ces œuvres ont en commun les couleurs rouge et bleu et le thème des amoureux ; écho direct au film centré sur les amants 👩‍❤️‍💋‍👨 On retrouve aussi la reproduction de Paul en Pierrot de Picasso, comme une allusion directe au héros du film : personnage éponyme incarné par Belmondo. Quant à Anna Karina, son personnage de Marianne Renoir est placé devant une carte postale d’un nu…de Renoir (à retrouver au @museerodinparis) Godard parsème son film de références artistiques qui sont comme des indices retraçant visuellement l’histoire des deux amants. ❓ Et sinon, avez-vous spotté d’autres œuvres cachées dans ce film culte ? 🎬 Film : Pierrot le fou, Jean-Luc Godard avec Anna Karina et Jean-Paul Belmondo, 1965 🎨 Œuvres : Saint-Jean Cap Ferrat, Marc Chagall, 1949, lithographie Paul en Pierrot, Pablo Picasso, 1925, peinture à l’huile, musée Picasso, Paris © Musée Picasso Paris Femme nue assise, Pierre-Auguste Renoir, 1880, huile sur toile, musée Rodin, Paris © Musée Rodin Paris Les Amoureux, Pablo Picasso, 1923, peinture à l’huile, national Gallery of Art, Washington © National Gallary of Art Washington

Les Hasards heureux de l’escarpolette de Fragonard

Promis nous n’allons pas vous parler de l’origine du tube « Libérée, délivrée »… 🤭 Il s’agit d’une œuvre plus discrète qui se cache dans la scène du couronnement 👑 : on y voit la princesse Anna dans une pièce remplie de tableaux, dont un a particulièrement retenu notre attention : une jeune femme poussée sur sa balançoire dans une robe rose sur un fond vert-bleu. On s’est dit qu’on avait déjà vu cette œuvre quelque part… Vous aussi ? 🤔 Il s’agit ni plus ni moins d’une reprise du tableau de Fragonard intitulé Les Hasards heureux de l’escarpolette, à retrouver au @wallacemuseum Cette toile, réalisée entre 1767 et 1769, a été commandée par le baron de St-Julien qui avait en tête une idée bien plus frivole que la reprise de Disney : il souhaitait faire réaliser un tableau de sa maîtresse poussée sur une balançoire par son mari cocu. Quant à lui, il serait placé dans un bosquet situé juste sous les jambes de sa maîtresse… Le tableau est confié à Jean-Honoré Fragonard, jeune peintre 👨‍🎨 déjà réputé pour ses œuvres. Le spectateur est attiré au centre de l’œuvre par la jeune femme dont la tenue rose se détache du fond vert-bleu. Poussée sur sa balançoire (l'escarpolette), elle est tout en mouvement et laisse échapper sa chaussure 👠 vers son amant qui semble en extase de cet « heureux hasard ». Ce tableau fera la renommée de Fragonard comme peintre de la noblesse et a été repris de nombreuses fois, comme on peut le voir dans La Reine des Neiges. Pas sûr néanmoins que Disney ait gardé le sens premier de l’œuvre… 🏰 🎬 Film : La Reine des neiges, Chris Buck, Jennifer Lee, Disney, 2013 🎨 Œuvre : Les Hasards Heureux de l’escarpolette, Jean-Honoré Fragonard, 1767-1769, Wallace Collection, Londres © Wallace Collection Londres

Autoportrait de Frida Kahlo

Quel lien y-a-t ’il entre Frida Kahlo et le personnage de Leeloo dans Le Cinquième Elément ? 🤔 A priori aucun… Pourtant Luc Besson fait un clin d'œil à l’artiste mexicaine dans la tenue que porte Leeloo au début du film : des bandages qui rappellent l’autoportrait de Frida Kahlo La Colonne Brisée, sur lequel le corps de la peintre est couvert de bandes blanches. Réalisée en 1944, cette œuvre est exposée au @elolmedomx 🇲🇽 Parmi les 55 autoportraits peints par Frida Kahlo 👩‍🎨, celui-ci exprime particulièrement sa souffrance corporelle après le grave accident de la route dont elle fut victime à l’âge de 18 ans. Elle gardera toute sa vie de lourdes séquelles qui sont des thèmes récurrents dans ses œuvres, comme une manière d’outrepasser ce traumatisme. Lorsqu’elle réalise La colonne brisée, cela fait 20 ans que l’accident a eu lieu et pourtant Frida exprime encore une grande souffrance. Les bandes blanches autour de son torse font allusion au corset en plâtre qu’elle a dû porter durant de nombreux mois et les clous qui recouvrent son corps rappellent le thème de la crucifixion. Ses larmes expriment à la fois une douleur physique et sentimentale 💔 : les infidélités de son mari Diego Rivera et sa propre infertilité depuis son accident, matérialisée dans l’œuvre par le paysage aride en arrière-plan. Enfin, sa posture droite et son regard au spectateur évoquent une certaine dignité de l’artiste face aux difficultés de sa vie Cet autoportrait appelle à la fois à la souffrance et au courage 💪 ; deux valeurs qui auront composé la vie de Frida et que Luc Besson fait ressortir du personnages de Leeloo. 🎬 Film : Le cinquième élément, Luc Besson, 1997 🎨 Œuvre : La colonne brisée, Frida Kahlo, 1944, huile sur masonite, musée Dolores Olmedo, Mexico © Musée Dolores Olmedo, Mexico

Le Radeau de la Méduse de Géricault

Parmi les nombreuses références repérables dans le film Astérix et Obélix mission Cléopâtre, une œuvre a retenu notre attention : Le Radeau de la méduse, rejoué dans le film par les pirates. La scène reprend presque dans leur intégralité les codes de l'œuvre de Théodore Géricault : la composition en structures pyramidales, les couleurs pâles et l’amas de corps. Si la reprise de cette œuvre dans le film se veut comique, la scène que peint Géricault est en tous points dramatique : l’artiste s’inspire du naufrage de La Méduse, frégate de la marine royale qui s’est échouée en 1816 lors d’un voyage vers le Sénégal. Les 150 rescapés qui ne purent monter dans les chaloupes construisirent un radeau qui dériva durant 13 jours, ne laissant que 10 survivants. Cet événement a profondément marqué la société de l’époque et Géricault, conscient de l’intérêt que porte le public à ce drame, décide d’en faire sa première œuvre d’importance. Le tableau 🖼 frappe par ses dimensions (491 x 716 cm) mais surtout par le caractère tragique qui en émane : les corps amoncelés, le travail sur les expressions et émotions des personnages et la monumentalité du format qui fait immerger le spectateur dans l’action de la scène. Manifeste du Romantisme, mouvement qui promeut l’exaltation des sentiments et l'expression des émotions ☹️🙂, Le Radeau de la Méduse est une œuvre majeure qui est aujourd'hui conservée au @museelouvre Face à elle, on se sent un peu “médusé” comme Barbe-Rouge dans Mission Cléopâtre. ❓ Et sinon, avez-vous spotté une autre œuvre (très) célèbre qui se cache dans ce film ? 🎬 Film : Astérix et Obélix Mission Cléopâtre, Alain Chabat, 2002 🎨Œuvre : Le Radeau de la Méduse, Théodore Géricault, 1818-1819, huile sur toile, musée du Louvre © Musée du Louvre

Architecture au Clair de Lune de Magritte

Le film The Truman Show dépeint la vie parfaite de Truman Burbank, interprété par Jim Carrey, dans la paisible ville de Seahaven. Au fil du temps, Truman réalise que cette vie qu’il croit être la sienne est en fait construite de toutes pièces pour l’émission de téléréalité 🎥 dont il est le héros malgré lui. A la fin du film, il décide de quitter l’émission dans une scène qui rappelle visuellement l'œuvre Architecture au clair de lune de René Magritte 🌕 Dans cette œuvre à la lumière froide ❄️ et à l’architecture complexe plane une atmosphère mystérieuse. Le peintre belge interroge notre perception du réel dans ses œuvres énigmatiques qui perturbent notre vision de la réalité. D’ailleurs, Truman dira dans le film : “Chacun de nous accepte la réalité du monde auquel il est confronté” 🌍 La scène finale de The Truman Show n’est donc pas qu’un clin d’œil visuel à Magritte mais partage les réflexions de l’artiste sur le discernement du monde qui nous entoure. Les escaliers accolés au décor de paysage symbolisent la liberté de Truman ; en les empruntant il tire un trait sur sa réalité connue, tout comme Magritte nous propose d’aller au-delà des images que nous croyons réelles car selon lui “les images et les mots trahissent”. 🎬 Film : The Truman Show, Peter Weir, avec Jim Carrey, 1998 🎨 Œuvre : Architecture au clair de lune, René Magritte, 1956, huile sur toile (collection privée)

Le Penseur et le Baiser de Rodin

Dans cette scène, la princesse russe Anastasia 👸 découvre la culture française à travers le Paris des années folles : un clin d’œil est fait au sculpteur français Auguste Rodin et son œuvre Le Penseur, que l’on peut aujourd’hui admirer dans les jardins 🌳 du @museerodinparis Réalisée en 1880, cette figure ne mesurait à l’origine que 70 cm et devait décorer le tympan de l’ensemble monumental de La Porte de l’Enfer 😈, créé par le sculpteur en référence à la Divine Comédie. Le personnage du penseur est Dante Alighieri lui-même, que Rodin décide d’exposer de manière isolée dès 1888. Le Penseur est agrandi en 1904 et devient l’une des sculptures monumentales les plus célèbres qui soient, nous plongeant dans l’image d’un homme à la fois libre et torturé. Regardez maintenant au fond de la scène ; vous devriez remarquer une autre sculpture de Rodin : il s’agit du Baiser 👩‍❤️‍💋‍👨 , réalisé en 1888 et qui se trouve également au @museerodinparis. Cette sculpture montrant un couple enlacé en train de s’embrasser devait également faire partie du groupe de La Porte de l’Enfer : le couple représente à l’origine Paolo et Francesca, les amants de la Divine Comédie 👺. Cependant, Rodin considère que le thème de l’amour ❤️ entre en contradiction avec celui de l’enfer et décide d’en faire une œuvre autonome dès 1886. Le Baiser monumental que nous connaissons aujourd’hui est une version agrandie en marbre commandée par l’Etat français et exposée dès 1898. La succession des œuvres de Rodin dans cette scène d’Anastasia est plutôt subtile puisqu’elle annonce la future relation entre le pensif Dimitri et la princesse en fuite💓 🎬 Film d’animation : Anastasia, Don Bluth et Gary Goldman, Fox Animation Studios, 1997 🎨 Oeuvres : Le penseur, Auguste Rodin, 1880, bronze, ©Musée Rodin, Paris Le Baiser, Auguste Rodin, 1882, marbre, ©Musée Rodin, Paris

Le Baiser de Klimt

La tragique scène du rêve dans le film Shutter Island est un clin d’œil 😉 visuel à une œuvre plus sensuelle : Le Baiser 💋, du peintre autrichien Gustav Klimt, réalisé entre 1908 et 1909 et conservé au @belvederemuseum de Vienne. Inspiré par les mosaïques byzantines, Klimt intègre dès 1902 l'or comme sujet de ses œuvres. C’est ainsi qu’il construit la scène du Baiser par la couleur dorée que l’on retrouve à l’arrière-plan et sur les vêtements du couple 👩‍❤️‍💋‍👩, qui pourrait être Gustav Klimt lui-même et sa compagne Emilie Flöge. L’homme tient délicatement le visage de la femme et dépose un baiser passionné sur sa joue. Les yeux clos, l’amante semble en extase de ce moment et se laisse envelopper par la douceur de l’étreinte et la chaleur de ce qui semble être un cocon hors du temps. Les motifs géométriques de leurs vêtements cohabitent harmonieusement et se mêlent au parterre de fleurs ; espace plein qui s’équilibre avec le vide de l'arrière-plan. Cette composition est reprise par Martin Scorsese dans son drame Shutter Island : dans cette scène, Andrew étreint sa femme en rêve, alors que celle-ci s’évanouit en cendres. La lumière se porte sur le couple dont la robe jaune 💛 de la femme rappelle la couleur or du Baiser. Les touches dorées de la peinture sont matérialisées dans le film par les cendres qui virevoltent 🌪 autour des protagonistes. Alors que l’œuvre de Klimt est un véritable hymne à l’amour ❤️ , cette scène de Shutter Island est en tout point dramatique : deux visions opposées d’un couple enlacé, mais pas moins amoureux. 🎬 Film : Shutter Island, Martin Scorsese, Phoenix Pictures, Paramount Pictures, 2010 🎨 Œuvre : Le Baiser, Gustav Klimt, 1908-1909, huile et feuille d’or sur toile, ©Palais du belvédère, Vienne

Guernica de Picasso

Cette semaine c'est dans Les fils de l'homme que se cache une œuvre au message fort. Ce film dystopique dépeint un futur proche dans lequel l’humanité 🌍, devenue stérile suite aux pandémies et aux guerres, court à son extinction. Dans cette scène, Theo, ancien membre du gouvernement anglais totalitaire, discute avec un ministre haut placé qui le reçoit dans un lieu où sont conservées les œuvres d’art rescapées du chaos mondial. Difficile de ne pas voir la peinture monumentale en arrière-plan : il s’agit de Guernica de Pablo Picasso. Réalisée en 1937, Picasso veut dénoncer le bombardement de la ville de Guernica ordonné par le gouvernement de Franco. Cette peinture en noir et blanc se structure par les lignes de force qui se mêlent aux personnages : femmes et hommes pleurant ou hurlant, corps démembrés et animaux affolés. L’horreur du bombardement est matérialisée par la terreur des personnages et l’atrocité de la scène. Cette œuvre est encore aujourd’hui symbole de dénonciation de la guerre, aussi puissante qu’une arme 💪 C’est donc avec ironie qu’on la retrouve dans le film Les fils de l’homme, alors qu’elle orne la salle à manger d'un membre du gouvernement totalitaire. Elle est exposée comme une œuvre à préserver du chaos mondial et est vue comme un objet d'art plutôt qu'à travers son puissant message : elle est un symbole du cri d'un peuple désespéré dont les puissants ne semblent pas se préoccuper. Dans cette dystopie, le gouvernement ne pense qu’à préserver le passé sans se soucier d’un possible avenir. L’utilisation de l’œuvre Guernica dans cette scène porte un message très fort, qui résonne aujourd'hui : dénoncer les conflits humains et préserver la mémoire collective afin de construire un avenir commun ☮️ 🎬 Film : Les fils de l'homme, Alfonso Cuaron, 2006 🎨 Oeuvre : Guernica, Pablo Picasso, 1937, huile sur toile, © musée Reina Sofia, Madrid

La Naissance de Vénus par Boticelli

La Naissance de Vénus, peinte par Sandro Botticelli, est visible dans les films Shrek, Le baron de Munchhausen et Le portrait de Dorian Gray. Réalisé en 1485, ce chef-d’œuvre est l’un des nus les plus illustres de l’histoire de l’art. La déesse de l’amour 🥰 et de la beauté est présentée nue, sa chevelure masquant à peine ses courbes qu’elle dévoile grandeur nature. Sa posture est en mouvement, menée par son léger déhanchement qui lui confère un équilibre fragile. Le peintre rend hommage aux éléments : l’air soufflé par Zéphyr💨, la terre sur laquelle Vénus va accoster 🌍 et l’eau de laquelle elle émerge💧. Le coquillage 🐚 est image du sexe féminin et introduit Vénus comme la perle ; incarnation de la féminité, la sensualité et la délicatesse. Cette déesse est d’ailleurs associée au printemps 🌸 ; le thème de sa naissance fait écho à cette saison de renouveau et de fertilité. Cette peinture à la tempera (à base d’œuf) est devenue le symbole de la féminité et continue d’inspirer artistes et créateurs qui y font régulièrement référence : l’œuvre surplombe le lit de Lord Farquaad en recherche d’une épouse parfaite dans le film Shrek. Dans Le baron de Munchhausen, c’est Vénus elle-même qui séduit le baron après son apparition dans le coquillage. Enfin, elle est rejouée par une prostituée dans le bordel où discutent Dorian et Lord Henry, dans Le portrait de Dorian Gray. Cette œuvre intrigante et inspirante est-elle symbole de la femme idéale ou au contraire de la femme émancipée ?

Aux Buttes Chaumont par Jules Chéret

C’est chez Monica de la série Friends que se cache une œuvre qui fait honneur à la culture française 🐓 : l’affiche Aux buttes Chaumont, réalisée à la fin du XIXè siècle par l'artiste français Jules Chéret. Cet affichiste ouvre en 1866 un atelier parisien de lithographie dans lequel il dessine et imprime des affiches pour des marques commerciales mais surtout pour de la publicité de spectacles. Ses affiches colorées présentent principalement des femmes 👩 - surnommées les "Chérettes" - dans les lieux en vogue de la Belle Epoque comme les Folies Bergères ou le Moulin Rouge. Même si sa production s’oriente autour des affiches de divertissement, Chéret crée quelques publicités pour des magasins : celle que nous retrouvons dans l’appartement de Monica Geller est une reproduction de l’affiche publicitaire pour le grand magasin parisien «Aux Buttes Chaumont». Spécialisé dans la vente de jouets 🧸 , cette enseigne a fait appel à Jules Chéret, alors très reconnu, pour faire sa publicité : on y voit un enfant entouré d’un grand nombre de jouets et on reconnait l’écriture significative des publicités de Chéret. Les réalisateurs de la série Friends ont inséré une touche française dans le décor de l’appartement de Monica en ajoutant cette affiche derrière la télévision : en plus de faire partie de la décoration, quelques caméras 🎥 y ont été dissimulées afin d'obtenir différents points de vue. Pour les fans de Friends, cette affiche fait partie intégrante de la série ! Elle témoigne de l'héritage de l'œuvre de Chéret dans nos références contemporaines, presque 100 ans après sa mort. 🎬 Série : Friends, Martin Kauffman, David Crane, 1994-2004 🎨 Oeuvre : Aux Buttes Chaumont, Jules Chéret, fin du XIXè siècle

Ophélia par John Everett Millais

Réalisé par Lars Von Trier, Melancholia aborde notre manière d’appréhender la mort lorsque la fin est proche : Justine, l’héroïne, a perçu en rêve la destruction imminente de la Terre 🌍 par la planète Melancholia, ce qui ne l’empêche pas d’accepter sereinement ce terrible évènement. Une des scènes du prologue la montre flottant dans un cours d’eau en robe de mariée, les yeux clos et un bouquet de fleurs dans les mains 💐. Cette image de jeune mariée immergée, à la fois délicate et tragique, est inspirée du tableau Ophélie du peintre anglais John Everett Millais. Réalisée entre 1851 et 1852, cette huile sur toile présente le personnage d’Ophélie issu de la pièce Hamlet de William Shakespeare : amante d’Hamlet, Ophélie se retrouve à cause de lui dans un état de folie la menant à la noyade. Millais la représente dans son œuvre allongée dans l’eau alors qu’elle chante juste avant sa mort, les yeux mi-clos et le corps couvert de fleurs éparpillées. La jeune femme a le teint pâle, sa robe 👗 immergée est presque translucide et ses mains ouvertes laissent se répandre sur elle les fleurs 🌹 d’un bouquet. Elle semble à la fois morte et sur le point de s’endormir, dans une position aussi gracieuse que funèbre ; autant de thèmes que chérissent les peintres préraphaélites dont Millais fait partie. Ces peintres s’opposent à l’académisme anglais du XIXè siècle en privilégiant notamment un dessin minutieux, des couleurs vives et des inspirations bibliques, médiévales et littéraires. Le personnage de Justine dans Melancholia reprend les traits de l’Ophélie de Millais : deux femmes qui accueillent mélancoliquement leur funeste destinée. 🎬 Film : Melancholia, Lars Von Trier, Zentropa, 2011 🎨 Oeuvre : Ophélie, John Everett Millais, 1851-1852, huile sur toile, Tate Britain, Londres

La Madeleine à la Veilleuse de Georges de la Tour

Les amoureux de la version Disney de La petite sirène 🧜 auront sans doute en tête la chanson « Partir là-bas » dans laquelle Ariel exprime son désir de découvrir le monde terrestre 🌍. Alors qu’elle nage parmi des objets humains, la sirène s’arrête devant un tableau sur lequel on aperçoit une jeune femme devant une bougie allumée 🕯 : il s’agit de La Madeleine à la veilleuse de Georges de La Tour. Peintre lorrain du XVIIè siècle, Georges de La Tour est connu pour son goût des jeux d’ombre et de lumière qu’il intègre dans des scènes de genre aux sujets religieux. Il réalise La Madeleine à la veilleuse entre 1642 et 1644, œuvre à retrouver aujourd’hui au @museelouvre. Cette huile sur toile présente Ste Marie-Madeleine en train de méditer, un crâne posé sur les genoux. La seule source de lumière provient d’une bougie dont la flamme 🔥 éclaire la sainte et des objets posés sur la table : un crucifix, une corde fouet et deux livres 📚. Marie-Madeleine est dans ses pensées, le regard posé sur le crucifix et la main sur le crâne, objet qui rappelle la fragilité de la vie humaine. Le dépouillement de la scène rapproche la sainte d’une pratique spirituelle rigoureuse qui contraste avec la douceur de la lumière. En insérant cette œuvre dans son film La petite sirène, Disney fait se rencontrer deux jeunes femmes aux désirs opposés : tandis que l’une médite pieusement sur sa condition humaine, l’autre souhaite dépasser sa propre condition pour découvrir la vie terrestre. 🎬 Film : La petite sirène, John Musker, Ron Clements, Walt Disney Pictures, 1989 🎨 Œuvre : La Madeleine à la veilleuse, Georges de La Tour, 1642-1644, peinture à l’huile sur toile, musée du Louvre, Paris

Le Cri de Munch

La série de films d’horreur Scream a vu naître le personnage de Ghostface : un tueur qui se cache sous un masque en forme de crâne 💀. Ce visage effrayant est inspiré d’une œuvre majeure de la fin du XIXè siècle : Le Cri, d’Edvard Munch. Le peintre norvégien réalise entre 1893 et 1917 plusieurs versions de l’œuvre que nous connaissons : la plus célèbre est l’huile sur carton de la galerie nationale d’Oslo (@nasjonalmuseet) qui date de 1893. Cette œuvre singulière est née de l’esprit torturé de Munch dont l’enfance a été bercée par la maladie et la mort. Le Cri est rendu célèbre pour son personnage à la fois terrifié et terrifiant dont le visage émacié est tourné face au spectateur, bouche grande ouverte. Munch se serait inspiré du visage d’une momie péruvienne vue à l’Exposition de Paris. Le ciel flamboyant pourrait faire écho à l’éruption du volcan 🌋 Krakatoa en 1883 : son explosion a provoqué le bruit le plus fort jamais entendu et un ciel rouge sang 🔴 jusqu'en Europe. Munch évoque avoir vu un coucher de soleil 🌅 ardent lors d'une promenade et entendu un « cri infini qui déchire la nature ». Le lien peut être fait entre cette expérience personnelle et l’éruption du volcan, traduisant ainsi un cri qui ne viendrait pas de l’homme mais de la nature, forçant le personnage terrifié à se couvrir les oreilles. Autoportrait ou allégorie d’un sentiment humain ? Cette œuvre est aujourd’hui icône de l’art expressionniste (qui déforme la réalité pour inspirer une émotion). Le Cri n’a pas inspiré que les films Scream : avez-vous remarqué l’emoji qui lui rend hommage ? 🎬 Film : Scream, Wes Craven, Woods Entertainment, 1996 🎨 Œuvre : Le Cri, Edvard Munch, 1893, huile, tempera et pastel sur carton, Galerie Nationale d’Oslo, Norvège

Le Discobole

Le Roi Arthur se réveille un matin face à un invité plutôt inattendu : un homme nu et prêt à lancer un disque…. Il s’agit d’une statue ramenée de Rome par sa femme, la Reine Guenièvre 👸 , qui n’est autre que le discobole Lancellotti : une sculpture romaine en marbre, copie d'un bronze grec. La statue originale est créée par le sculpteur grec Myron vers 450 av JC. Myron représente un lanceur de disque 🥏 en pleine action : l'athlète est nu, ses genoux pliés et son bras tendu, prêt à lancer le disque. Le mouvement est figé sur l’action à venir et tout le corps de l’athlète est tendu, les muscles saillants. Son visage est impassible et ses traits sont idéalisés de manière à ce que son image gagne un aspect intemporel. La pose de l’athlète rend la sculpture vivante, comme s’il allait lancer son disque sous nos yeux. Le lancer de disque est l'une des 5 disciplines du pentathlon antique avec le javelot, le saut en longueur, la course et la lutte. Une statue était érigée en l’honneur des vainqueurs ; Myron a-t-il sculpté son discobole en hommage à un athlète ? Ou symbolise-t-il la discipline en elle-même? Cette œuvre peut aussi faire écho au mythe d’Apollon 🏹 et Hyacinthe 🌺 : jeune homme d’une très grande beauté, Hyacinthe est aimé d’Apollon et Zéphyr 💨 . Il meurt frappé à la tempe par le disque que lance Apollon et que Zéphyr, jaloux, dévie sur Hyacinthe. Cette sculpture classique est considérée comme l’une des œuvres les plus importantes de la statuaire grecque. Pas sûr cependant que le roi Arthur l'ait vue de cet oeil puisqu'elle finit dans un débarras du château... @museonazionaleromano 🎬 Série : Kaamelott, Livre I, épisode 78, Alexandre Astier, Alain Kappauf, 2005-2009 🎨 Œuvre : Discobole Lancellotti, 120 av JC, marbre, palais Massimo alle Terme, Rome

Les Demoiselles d'Avignon de Pablo Picasso

Le film Titanic 🚢 nous offre une belle et tragique histoire d’amour 😍 mais aussi un clin d’œil à l’histoire de l’art : Rose monte à bord du paquebot avec plusieurs tableaux dont celui d’un « certain Picasso » : il s’agit des Demoiselles d’Avignon ; une œuvre majeure du XXe siècle. Picasso achève cette toile en 1907 : il y présente 5 femmes 👩 dont les corps nus et déstructurés ne respectent en rien les codes académiques. Les formes anguleuses, les visages asymétriques et les couleurs crues donnent un aspect primitif aux sujets : Picasso se serait fortement inspiré de masques africains pour certains visages. Il aurait d'ailleurs dit : « les bons artistes copient, les grands artistes volent », comme s’il assumait l'influence de l'art africain dans son propre art. Cette toile crée une rupture avec la peinture classique : l’esthétique des sujets, l’absence de perspective et le décor plat sont une révolution dans la représentation du corps et de l’espace en peinture. Amorce d'une nouvelle expression artistique, Les Demoiselles d'Avignon serait le premier tableau cubiste : mouvement guidé par la désaxation des courbes, la géométrisation des formes et la multiplication des points de vue. Considéré comme une œuvre majeure de l'histoire de la peinture, ce tableau fait son apparition en 1939 au @themuseumofmodernart où il est toujours exposé aujourd'hui. James Cameron s’est permis quelques libertés en insérant cette œuvre dans son film : nul doute qu'elle ne nous serait pas parvenue si elle s'était trouvée sur le Titanic… Heureusement pour l'histoire de l'art, elle a voyagé vers New York 🗽 sur un autre bateau ! 🎬 Film : Titanic, James Cameron, 20th Century Fox, 1998 🎨 Œuvre : Les Demoiselles d’Avignon, Pablo Picasso, huile sur toile, 1907, Museum of Modern Art, New York

La Dame à la Licorne